Sobre la puesta en escena

Algunas consideraciones  sobre la puesta en escena

Etimológicamente el teatro explica a partir de quien lo ve, del público. BrooK dice que la escena es un espacio vacío. Poseemos una sensación del espacio que podemos trasladar a la escena para evitar que esta sea un receptáculo de objetos y cosas. Es más efectivo sugerir, y que sea el espectador el que complete el cuadro. Lo primero que definimos es la forma de ese espacio, las medidas del mismo y si será un espacio visto por los espectadores u ocupado por ellos.

Hay que definir desde dónde mira el público: ¿Está en círculo, enfrente, a herradura, en el medio, en islas alrededor de las que actuamos, hacia lo alto en gradas, a dos lados en una especie de calle? A partir de allí podemos construir  escenas asumiendo su o sus puntos de vista. También debemos saber a qué distancia se mira.

Hay esencialmente tres percepciones en el teatro: A) la física, que es la percepción del público cerca, alrededor en un espacio pequeño, aquí todo es más fuerte que a la distancia. B) la visual, aumenta la posibilidad elaborar la pieza como un gran fresco visual. C) la percepción acústica, es la madre de las posibilidades perceptivas del público, un lugar con mala acústica perjudica la puesta en escena.

El espacio escénico, hay que imaginarlo como un lugar mágico, porque es más de lo que parece y oculta en su desnudez una potencia infinita. Es un espacio creado para percibir lo que en la vida real no se percibe. Está en la vida pero no es la vida. Es el lugar de la ficción, del latín fingère, representar, inventar, amasar, modelar. El objetivo final es la conmoción del público. Además debe ser bello, poseer forma orgánica en relación al espacio y a los elementos que en él actúan.

En la escena hay líneas, hay un centro, hay diagonales, hay círculos, líneas transversales y longitudinales. También puede haber líneas verticales que bajen o suban. Los límites al espacio son para darle forma. Si hay un centro, hay un equilibrio. Cada actor y cada objeto debe ser considerado como una masa (activa o pasiva) que se dispone en el espacio escénico. Y cada movimiento además de provenir de una acción y tener una justificación interna, presupone un nuevo cuadro. Todo lo que se realice debe acabar por tener una coherencia interior y esa coherencia es arte.

Quienes construyen una obra son los actores y el Director fundamentalmente. Existen convenciones escénicas que son decisiones formales en que el público y los actores están tácitamente de acuerdo. Los actores se entrenan de diferentes modos.

La composición del personaje es lo más complejo para el actor. Un hombre es su cuerpo y u voz, su espíritu y su psiquis. Saber qué es lo que un personaje hace, es conocer sus acciones concretas en escena, dadas por el texto, o por las indicaciones del director o por la búsqueda realizada a través de improvisaciones y composiciones.

Partitura: un actor debe realizar partituras o sea una serie de acciones concatenadas que puede repetir  siempre.

MONTAJE, según P. Pavis: Término procedente del cine, pero utilizado desde los años treinta para una forma dramatúrgica en la que las secuencias textuales o escénicas son montadas en una sucesión de momentos autónomos. El montaje dramatúrgico está organizado en función de un movimiento y de una dirección que deben ser imprimidos en la acción, mientras que el collage tan sólo provoca choques para producir efectos de sentido.

Ejemplos de montaje dramático:

·         Composición en cuadros, cada imagen forma una escena que no se transforma en otra escena.

·         La crónica o biografía de un personaje cuando son presentadas como etapas separadas de un itinerario.

·         Una serie de sketchs en una revista o un espectáculo de music- hall